The Art Critices's Texts About Massimo Turlinelli's Work

ANOTHER NATURE Nunzio Giustozzi


DI-VISIONS Gerardo de Simone


THE DREAM CONJECTURES Donato Massaro


111 - WORKS OF MASSIMO TURLINELLI Giovanna Cardini


MASSIMO TURLINELLI, PAINTER AND ARCHITECT Lia Bronzi


POLYCHROME EMOTIONS Franco Manescalchi


THE RELATIONSHIP BETWEEN MAN AND NATURE Paola Mancinelli


OFTEN IT HAPPENED TO ME Emilio Daddi


MASSIMO TURLINELLI OR THE CONSTANCY OF REASON Ugo Barlozzetti







"Being does not mean to appear but to stand out, and the distinction occurs when your personality is recognizable among billions of people. There are'nt possible connections or links to what the world and its history has taught us, there's only a profound and unique expression form, projected into a tomorrow that nobody knows. Massimo Turlinelli, like it or not, is him. Massimo Turlinelli, he is able to caress the present in the imposition of the future".

Fausto Brozzi





ANOTHER NATURE Nunzio Giustozzi

We are the last light of a sunset and we will be, after a long night, the future sunrise.

Giovanni Segantini

In comparison with the ephemeral and abstruse manifestations Contemporary Art, Massimo Turlinelli's paintings celebrate a conscious, necessary and long awaited return to Nature. The amazement, the enchantment towards the spectacle of Creation, of Beauty is at the origin of his sensibility, together Aristotelian wonder, knowledge foundation, cause the art knows how to make visible what always isn't,taking part in the world genesis. It thus proceeds from the visual, emotional, experience to invest its landscapes of meanings, to create, therefore, another Nature, like a wise demiurge, in a delicate balance between the rule and the feeling, intimately convinced that the Sublime doesn't reside in the object, in the external fact but in the soul of the one who judges it. Though, his gaze on reality, remains, at first, as the look "of a clever fawn or skylark" ‒ as Ruskin about Constable ‒ in the observation of the truth, and, for the topicality of the places where he was born and lived, and of the places he frequents every day, the places where he always is traveling through the Tuscan and Marche's rolling hills: soft meadows where the grass is humid, fields combed by man and history, embankments in plan or in askance, trees alone or in a row on a plowed hill, with roots that sink into the ground and foliage planted in immense and bright skies that crush the horizon to a thread from the ground, until it disappears. Familiar glimpses to reveal, however, unexpected shots from heterodox perspectives, impressions awakened by the changing reflections of light as the atmospheric conditions change, they are caught en plein air and, then, processed in the study, slowly, with the eyes of the mind, in the highly calculated final compositions, preceded by studies of minor proportion, revealing the rigor of a method. For these he often resorts to square formats of Renaissance perfection, to landscapes of enlightenment style, to the golden section and to the most beautiful geometric scans that in a watermark betray a structural approach, due to architect's education, tempered by the lyricism of colors and the infinite depth of pure graphite. From the real Turlinelli he also studies the native color, that's the color that things have in the sunlight, representing it with a vast tones's range, for example, of green for the vegetation figuration: as Giuseppe Pende, his charismatic mentor at the 'Preziotti' Institute of Art in Fermo, had taught him in class and in the pleasant and instructive walks to the river or on the seashore, during which he has acquired to the students a wealth of knowledge on the shading, on the contrast of the complementary ones, on a whole series of visual elements through the collection of poor materials that he brought to the classroom for life drawing when there was talk about the different color theories to concretely test the scientific principles under discussion. This safe and precious imprinting makes it seem obvious to build the shapes in a selected and rarefied subtractive color range which resolves into the happy combination of the three primary colors (cyan, magenta, yellow) with the abomination of black. The careful examination of the technique of the light painters, whose touch, with their blue shades, from France to Italy migrated from point to comma, will guide him in the daring ordeal of the use of colored pencils on the desk, still modern support, with results of an incomparable lightness, of a constant stylistic coherence. This fact, to know how to understand, is surprising because, in stopping the time of the most deceptive appearances of phenomenal perception, like those misty morning visions that evaporate towards the monochrome, the maximum of relativism becomes rational, purified artifice between figuration and abstraction. So, sometimes, the works are loaded with an unknown and inaccessible dimension, if not with the tools of the imagination, when the sudden close-ups exclude a lot, with the attempt to investigate by synthesis and not by simplification the part for the whole, in a syntax that isolates alphabets of a very personal, dreamlike, surreal language. So, in the absence of Cartesian coordinates that orient us from every side and in every direction, in an atmosphere suspended in the silence of human life, where magical presences project metaphysical, parallel shadows, mysterious, metamorphic ones of incommensurable length, when outlined shapes by vocation we contemplate in the overwhelming vastness of the universe, one has the impression that the eyelids are cut off and the void becomes the theme of the landscape so that you can look at it, without holds, even upside down and with your feet in the air (Kleist and Goethe about Friedrich). Sometimes a threshold appears, a leopardian boundary that limits sight, a conceptual and explicit citation of a non-wall as a visible thought that allows us to glimpse and recognize in a near or far distant place the symbolic forest of his poetic, those branches bare or leafy that intertwine in the air and respond immovably or levitating to the scream of a graffiti wall. Don't be surprised that it's the tree, therefore, which assumes a totemic role within the painter's imagery through allegory and formal seduction: it is itself a perfect cosmos, participates in all the elements. Trees are friends, brothers who precede us and show us the way; talking with them puts us in front of our freedom, they give everything that's essential for us to life. It's a pleasure to caress their gnarled bark, to feel the flow of the sap. They are like people, they breathe, they talk to each other and sometimes they marry, in the distance, the tall and straight cypress and the sensual pine, between the hills of the Val d'Orcia as in the ancestral, powerful rites between Lucania and Pollino. A wide foliage crown can be guessed in a blink of an eye in the iris of the great glaucous eye that sees everything and nothing forgets: a cut out and magnify portions of truth, without the vulgarization from which Pop Art or hyper realism had let themselves be tempted, without not even wanting to recreate - other times it happens - the semantic shock of Magritte with the alienating association of dissimilar elements or optical mirrors, an harbinger of a replicated, multiplied objectivity. His works contain secrets, all revealed in the dilatation of accuracy that allows the precision of the pencil in approaching carefully and achieving a stunning realism, paradoxically arriving to touch abstract art. It can be seen from the nourished anthology of color fields crossed by thick textile textures, a juxtaposition sometimes interrupted, in some places, impulsive graphic gestures, craquelure, labyrinths and warps that, like capillaries, they sprinkle intense surfaces of delicate tonal passages or more saturated backgrounds in dense focused, which become woods, wave, wrinkle, cloud, fog, petal, bight, Northern Lights, sunset. In the spiritual soul of color, the artist loves to plunge and shipwrecked in search of the kingdom of the blue flower, an inexhaustible longing for happiness.





DI-VISIONI di Gerardo de Simone

Massimo Turlinelli is an observer of the world. The spectacle of Nature is what most fascinates and intrigues him: an incessant source of wonder, mystery, knowledge. The central point of his artistic research lies in the combined process of perception and representation: a way of translating into images, into works of art, the impressions captured by the eye, remedied by the mind, relived intimately. The root of his language is in the painting of French post-impressionists and Italian symbolists: the vision is recomposed on the support through a long, methodical, studied application of pencil and pastel touches (whose selective color range is reduced to graphite and three fundamental colors), point-like signs that acquire recognizable concretion through their calculated aggregation, like a dust chaos that gradually becomes shape and color.





LE CONGETTURE DEL SOGNO di Donato Massaro

La prima cosa che emoziona nel guardare le opere di Massimo Turlinelli è la sapiente disposizione dei colori. è un cromatismo intelligente e amorevole quello che l'artista dispiega con le sue matite colorate. Si', di matite si tratta benchè non sia poi cosi' evidente tale è la resa in termini di campiture e sfumature, sicchè si rimane a saperlo stupiti. Matite come quelle che tutti i bambini, e noi allorchè lo eravamo, usano nei primi approcci al disegno, alla scoperta del mondo dei colori e del mondo che li avvolge, felici di rappresentarlo, con l'aiuto della fantasia dirompente. La fantasia dei bambini è sbrigliata e autentica, rivelatrice e quasi sempre giocosa. Ed esprime stati d'animo e consapevolezze magari inconsce che si vanno acquisendo in quei lavori in corso dell'età fatta di scoperte e curiosità, di affermazioni e domande. I bambini hanno la fantasia degli artisti, ma viceversa non sempre. Nel caso di Massimo Turlinelli invece si'. Ed il suo mondo è colorato in letizia per proporre una realtà che è fantastica e concreta, immaginata e reale. I suoi dipinti hanno la pulizia della rappresentazione e il candore della fanciullezza. Con la differenza che se i bambini alla fine si divertono e basta in una educazione alla bellezza e alla vita, l'artista è alla ricerca consapevole di un linguaggio figurativo e di un senso compiuto dell'idea stessa di rappresentare il mondo e di viverlo. L'artista è un inventore di mondi. Sono dunque radici esistenziali quelle che sostengono la sua ricerca la quale sviluppa non solo in metafora l'idea di una crescita. La visione infatti frequente nelle opere di Massimo è la campagna con tutta la sintassi vegetale dei suoi paesaggi in geometrie vedutistiche nel ciclo vitale. Sono i pini e i cipressi fieri e indisturbati colti anche in primi piani da star del cinema a dominare la scena. Ma Turlinelli che architetto lo è per davvero evidentemente apprezza ancor piu' la spettacolare sapienza costruttiva della natura e spontanea e di quella organizzata dall'uomo. è proprio dunque la natura la protagonista dell'opera di Massimo Turlinelli. Ma una natura armoniosa che mantiene le promesse. Ed è singolare che egli, originario delle terre leopardiane, abbia, rispetto al grande Poeta suo conterraneo una disposizione d'animo di gratitudine senza recriminazioni verso essa in piena immersione e sintonia, senza nulla togliere alla riflessione esistenziale analogamente complessa. A lui essa parla sorridente e rigogliosa specie quando a primavera si sveglia e succede che seduca ancor piu' del solito e si fa bella apposta per noi. Piena immersione che gli consentono di ritrarla in confidenza con entusiasmo lirico e sognante. Artisticamente percio' la sua pittura è potremmo dire un impressionismo onirico per trasmettere una visione del mondo tra il solare naturale ed il surreale intellettuale con un ottimismo della volontà atto a ricreare i paesaggi in spazi pittorici visivamente allietanti e intellettualmente problematici. Andando ben oltre gli eccessi fotografici del nostro tempo, egli cerca in tal modo di restituire all'uomo metropolitano quella confidenza con l'ambiente compromessa dagli eccessi urbanistici, accentuandone il lirismo. E ritrova cosi' da artista consapevole la semplicità e il candore dei bambini che nei disegni sanno ancora stupirsi e fantasticare e sognare. Le congetture del sogno fanno si' che un pino magari lasci andare la sua chioma libera nell'azzurro del cielo nel cui spazio si libra, un pino dalla ampia chioma permanente, cui piace sognare e volare nel blu. Quelle congetture sono indefinibili e suggestive e non sai mai se vengono dall'inconscio o dal desiderio. E accade che montagne appaiano tra profili di nebbie come per incanto, e che intrecci di rami disegnino orditi nascosti forse anche indecifrabili, o combinazioni di colori narrino trame nascoste di misteriosi significati baluginanti alla mente negli attimi del dormiveglia come se fosse il racconto di una favola, ascoltando la quale ci si addormenta sereni tra ombre e penombre, la vita che ci è data di vivere tra la realtà e il sogno e non sai cos'è meglio, e allora dipingendo l'una e l'altro cerchi di viverle tutt'e due ma da sveglio per sognare a occhi aperti e conservarne il segreto.





111 - OPERE DI MASSIMO TURLINELLI di Giovanna Cardini

E' dovere del pittore essere completamente preso dalla natura e usare tutta la sua intelligenza per esprimere il sentimento, in modo che la sua opera sia intelligibile agli altri, scriveva piu' di un secolo fa Vincent Van Gogh, straordinario cultore del disegno inteso come genesi d'ogni opera pittorica. Fedele alla stessa convinzione, l'artista contemporaneo Massimo Turlinelli fa del disegno rigoroso l'architettura di tutto il suo lavoro, quel progetto magico ed alchemico attraverso il quale è possibile dar corpo ad un'immagine tracciando segni e linee su una superficie di supporto; e non è un caso se Turlinelli, che niente improvvisa, attinge i s-oggetti preziosi delle sue opere direttamente dalla natura. Campi o cieli, soprattutto, offerti allo spettatore in infinite possibilità e frutti, pini e cipressi visti da vicino e da lontano, interi o sezionati, capovolti. A volte, l'immagine di riferimento si perde completamente nello sfondo, e lascia il posto a grovigli di fili colorati e indistinti di forte impatto visivo ed anche emotivo. Con matite esclusivamente rosse, gialle e blu, l'artista segna i rapporti tra le forme e lo spazio, mentre i colori cambiano per come sono accostati, o sovrapposti, e in base all'intensità con la quale sono stesi. Consapevole del tempo che occorre per realizzare le sue complesse raffigurazioni, Turlinelli sembra voler richiamare lo spettatore ad una meditazione intesa come ritorno a sè stessi, alla distanza tra cio' che è e cio' che sembra: i suoi disegni, che l'occhio puo' percepire come dipinti, hanno il sapore di lettere mai spedite, utilizzate per descrivere metaforicamente un sogno perfetto, conosciuto e comunque misterioso, interrogato a lungo e poi messo in scena ben 111 volte. Con passione e pazienza.





MASSIMO TURLINELLI, PITTORE E ARCHITETTO di Lia Bronzi

Massimo Turlinelli, pittore e architetto in Firenze, innerva le sue immagini 'in punta di matita', inquadrandole in tre colori fondamentali: giallo, rosso, blu, ed in contesti paesistici reali, ideali, ed onirici, atti a raccontare una favola archetipale e panica propensa ad una strenua eleganza per il rarefatto intellettualismo che propone, di sapore moderatamente neoplatonica, dove non manca 'vis morale' per la simbolica ed ideale allusività edenica, nella quale il tema ritmico disegnativo ci appare determinante, per le possibilità struttive che si snodano tra valore essenzialmente melodico, in zone di colore delicato e articolata struttura dialettica. Ed è cosi' che la realtà figurale dalla quale l'artista muove, si fa intelletto, contemplazione quindi idea atta a rappresentare icone e anche tipi radicati nel profondo dell'animo umano, sempre in simbiotico contatto con il cosmo, secondo un'intuizione segreta ma pur comunicabile e rielaborabile in totale libertà, realizzata con la tecnica della 'punta di matita', appunto. Una traccia epistemica, dunque, che deve essere valutata secondo tre autonome componenti: la pragmatica, la semantica, la sintattica, al fine di ottenere una visibilità tendente all'Unità, mentre l'evocazione come memoria serve a realizzare la liberazione della vita quotidiana ed esistenziale dagli inutili orpelli, cosi' come si evince dall'essenzialità del disegno e da un netto colore, armonico e policromatico, dove il sogno fa accendere l'immaginazione poetica, nel fruitore, in magia di luce. Siamo dinanzi, certamente, con Turlinelli, ad un artista innovatore per tecniche e per tematiche, che molto ha creato e molto ha ancora da dire.





EMOZIONI POLICROME di Franco Manescalchi

E' veramente raro trovare un'artista come Massimo Turlinelli che realizza, con l'uso della matita e del pastello, opere il cui risultato è analogo all'uso dei colori a olio o acrilici. Campiture levigate e translucide, frutto di una perizia estrema, volta a recuperare e mettere a piena luce le icone profonde dell'animo. Perchè di questo si tratta, di icone fatte emergere con la pazienza del segno divenuto disegno che, per un'alchimia interiore dell'artista, risolve l'essenzialità del tratto e urgenza del colore, tipiche del processo grafico, in vere e proprie campiture pittoriche. Il procedimento atipico dà luogo cosi' ad una stupefacente singolarità espressiva in cui il controllo del mezzo esercitato nel tempo della realizzazione dell'opera è in funzione della messa a fuoco delle immagini lievitate da un mondo esterno interamente assorbito e metabolizzato come figurazione di un moto di coscienza all'interno del subconscio. Premesso questo apprezzamento sulla tecnica espressiva, per quanto appena anticipato, è chiaro che l'artista si muove in ambito surrealista, non privo di simboli inquietanti di doppia valenza come i bifidi mause follicoli o come gli alberi al maschile e al femminile che seguono dinamiche spazio relazionali. Ne deriva un universo che, all'occhio attento dell'osservatore, denuncia la necessità di un riscatto, come a dire che queste icone non appartengono al mondo dei sogni ma ad un piu' di coscienza proprio dell'artista il quale mette a nudo con le sue allegorie cio' che sta sotto l'omologante estetica della vita moderna, ricomponendo cosi' col suo assiduo operare, nella sintesi di un contatto contrasto, bellezza e verità.





IL RAPPORTO TRA L'UOMO E LA NATURA di Paola Mancinelli

Il rapporto tra l'uomo e la natura rappresenta l'incipit piu' profondo e connaturato della storia. L'artista esprime questo desiderio, forse innato, di descrivere, ammirare e dominare cio' che lo circonda attraverso mezzi come la pittura. Osservando un paesaggio di Massimo Turlinelli si nota come cio' che è rappresentato nello spazio pittorico non si rivela totalmente allo spettatore: dietro a quell'immagine, in apparenza reale, chiara e conclusa, sembra ci sia qualcos'altro. In fondo vediamo la campagna nella sua essenzialità: prati verdi, cipressi, pini e cieli infiniti, ma sono anche presenti alcuni elementi che dal punto di vista semiologico sono destabilizzanti. Osservando il tessuto pittorico si nota come il tratto sia dato con forte incisività grazie all'uso della matita policroma, tecnica imperdonabilmente lasciata ai margini dell'arte 'ufficiale'. E' un segno sempre uguale a sè stesso, come un modulo basato sul principio seriale della riproducibilità, le cui radici storiche possono essere individuate nel pointillisme neo-impressionista di Signac e Seurat. Nella fitta trama nessun elemento emerge individualmente, ma fa parte di un sistema segnico che va a formare un'immagine complessa, che acquista senso solo se combinata correttamente. L'impostazione dell'inquadratura trasforma la scena in maniera bidimensionale, frontale: una semplice linea dell'orizzonte stabilisce un confine tra l'esigua terra e l'indefinitezza del cielo, l'unica sostanziale presenza è quella dell'albero verticalmente stagliato: si crea cosi' una rete di geometrismi ortogonali di ispirazione mondriana, quasi un'analisi sopra le righe della spazialità. Le immagini del cipresso e del pino diventano pure icone che producono motivi ripetitivi alla Andy Warhol o segni linguistici ambiguamente magrittiani o ancora oggetti dell'incoscio surrealista. Addirittura nelle piu' recenti opere di Turlinelli questo soggetto perde la sua iniziale centralità per stabilirsi ai margini del quadro. Il fattore temporale vive la stessa ambiguità: Turlinelli non vuole fermare un istante reale, ma racconta un tempo indeterminatamente eterno, indefinibile. Il taglio dell'immagine esclude obbligatoriamente le ombre, che non sono piu' necessarie. Anche il colore diviene fattore arbitrario, quasi superfluo: da un intenso colorismo verosimile si passa, indifferentemente e senza perdere nulla del senso e della bellezza dell'opera, al bianco-nero che fa eco alle tecniche incisorie. Tutti questi elementi semiologici hanno un'importanza tale da prevalere sull'immagine vera e propria: nelle ultime opere dell'artista i segni divengono protagonisti assoluti. L'opera di Massimo Turlinelli riutilizza i mezzi propri dell'arte piu' tradizionale, ovvero 'da cavalletto', recuperando, pero', e svecchiando un senso estetico, ormai troppo escluso dalla prassi artistica delle idee concettuali, non fine a sè stesso, ma con un senso analitico rinnovato e innovatore.





SPESSO MI E' CAPITATO di Emilio Daddi

Spesso mi è capitato di vedere i lavori di Massimo Turlinelli, e sempre c'era qualcosa che non riuscivo a cogliere fino in fondo. Piu' volte mi sono chiesto cosa non riuscivo a capire nei suoi quadri, cosa mi disturbava l'occhio, e, soprattutto, la mente. Eppure tutto sembra semplice, forse fin troppo: "certo che il trapassar dentro è leggiero". I paesaggi privilegiano teorie di alberi, per lo piu' pini o cipressi, a volte organizzati e quasi in parata, a volte sparsi su un territorio che suggerisce leopardiani spazi infiniti. Immagini talvolta molto rigorose, di un rigore quasi geometrico, da ingegnere; talvolta fantasiose, fiabesche, come inventate, da architetto. Qualcosa, pero', continuava a non essermi chiaro. La mia idea del paesaggio è quella toscana e cioè di un paesaggio sapientemente costruito, in cui il contadino ha progettato ed è intervenuto non lasciando niente al caso; ha saputo modificare pian piano nei secoli la campagna, l'ha fatta a sua immagine e somiglianza, non le ha dato tregua, l'ha razionalizzata; ha aggiunto il necessario e tolto "il troppo e 'l vano"; non esiste un tratto di campagna toscana che non abbia almeno una ragion sufficiente della sua sistemazione. La campagna di Turlinelli è in alcuni momenti almeno piu' lirica, pare suggerire un che di atavico, di ricordato, di suggerito da una memoria infantile. Qualche tempo fa, andando con Massimo nelle Marche. a Fermo, a casa sua, improvvisamente ho capito cosa mi disturbava, cosa c'era di incoerente, di disomogeneo, nei suoi disegni. La contaminatio dei ricordi della sua terra di origine ("Mirava...quinci il mar da lungi, e quindi il monte") con l'osservazione presente della terra di adozione. Massimo Turlinelli scelse di studiare a Firenze, "partendosi" dalla sua regione e dalla sua Fermo, inseguendo quelle suggestioni culturali che non possono mancare ad un amante dell'arte, anche se oggi Firenze s'è un po' attardata in ripensamenti che, forse, le hanno impedito un serio, moderno, sviluppo. L'arte di Turlinelli, quindi, solo cosi' si spiega: nel momento in cui si collegano i ricordi di un paesaggio dell'infanzia e dell'adolescenza con le sensazioni piu' mature e adulte suggerite dalla realtà strutturata del paesaggio toscano quotidianamente rivisitato. Ma c'è di piu'. Le sollecitazioni di momenti di grande importanza, troppo spesso negativa, del nostro tempo, hanno costretto l'artista allo scoperto, l'hanno come estratto dal suo mondo di sogno e l'hanno portato alla visione dolorosa di oggi e della nostra storia, a dimostrare l'impossibilità di porsi in un mondo iperuranio, olimpico, atarassico, privo di passioni e di sofferenze. E, perchè no, anche di gioie.





MASSIMO TURLINELLI OVVERO DELLA COSTANZA DELLA RAGIONE di Ugo Barlozzetti

Nel ricchissimo panorama della produzione estetica contemporanea la cruna d'ago del sistema dell'arte e la sostanziale mancanza di adeguata informazione della maggior parte del pubblico ha finito per determinare selezioni assolutamente immotivate se non addirittura giocate sul ribaltamento della produzione estetica stessa. Qualcosa si sta muovendo nell'ambito del dibattito critico, ma il processo di mercificazione è andato cosi' avanti che una vera lotta per la civiltà umana è connessa alla riappropriazione del ruolo delle arti. La superficialita' del consumismo come le guerre "a bassa intensità", ha l'effetto della legge di Gresham: la "moneta cattiva caccia quella buona". E se qualcuno pensa che questa citazione alluda al dollaro pensa bene. Il "sistema dell'arte" ha infatti privilegiato, portandoli a valori assurdi, proprio i prodotti controllati dai mercati statunitensi e "agganciandoli" a speculazioni di borsa che peraltro non hanno quasi alcun nesso con il pubblico. Ovviamente gli epigoni europei si adagiano sui cascami di questo sistema e l'Italia, tra gli ultimi, ha visto un'improvvisa attenzione istituzionale nei confronti di situazioni ormai culturalmente decotte da almeno un trentennio. Già, quest'Italia in via di rapida "bruttificazione" con una popolazione sempre piu' disinteressata, quando non indifferente nei confronti delle proprie origini, della propria civiltà e quindi del proprio futuro, diviene, per l'eccezionale patrimonio culturale ed ambientale, l'esempio del disastro incombente di un sistema di produzione che innanzitutto è costretto a negare la ragione e quindi l'umanità. In questo ambito si possono cogliere non solo la ricerca e l'attività di Massimo Turlinelli, ma anche un impegno etico che scaturisce dalla capacità di saper affrontare gli aspetti fondanti, le motivazioni del fare: già nella tecnica della grafica mette in evidenza e rivela la centralità di un controllo razionale, di un processo mentale che organizza la restituzione della visione, trovandone la verità piu' profonda della propria interpretazione, definendola a misura del proprio vissuto. E' in questa dimensione esistenziale che emerge il valore delle radici, della civiltà. L'afflato classico dell'antropocentrismo costruisce un metodo che inventa un nuovo modo dell'uso del computer giacchè diviene per Turlinelli strumento per traguardare spazi e impaginazioni rigorose fino al millimetro nell'universalità del rapporto di sezione aurea. Il mondo di Masaccio e di Piero Della Francesca, la loro utopia non è piu' retorica o citazione: come è avvenuto anche in altre stagioni e' l'avvio per la riconquista della comprensione del presente. Il colore che vive con la luce e' un altro elemento centrale dell'indagine e del segno di Turlinelli. Le ombre ritrovano assetti, spessori, inventano il tempo e l'ora, insieme ai cieli con gli orizzonti di operoso, epico, mistero. I colori primari, preferibilmente stesi a pastello, ricompongono l'universo cromatico e lo illuminano grazie ad un sapere antico giocato anch'esso come struttura "classica" ove ideare e "fare" si commisurano nella ricerca di stati d'animo introdotti da paesaggi interiori. Meditazione ed evocazione introducono ad un clima di autentica virtualità e concetto con l'elusione del bluff in vigore divenendone inevitabile denuncia e contrario. Cosi' emerge anche un aspetto di profondo dissenso e implicita polemica nelle opere di Turlinelli. Opere appunto che si pongono in opposizione alle reiterazioni − aspetto ben diverso dalla riproduzione − richieste dai mercanti secondo quantità "industriali", giacche' la loro realizzazione e' ottenuta in tempi adeguati all'intensità e alla densità creativa che invoca un'attenta valutazione ed una sintesi capace di assestarsi solo a livelli qualitativi molto alti, anche dal punto di vista della tecnica. L'indagine creativa s'avvale degli attingimenti del "pointillismo" di Signac e Seurat, non come "palestra" per l'uso del pastello o delle micromine, ma come relazione sia nei confronti della scienza al servizio dell'uomo, sia della necessità di conquistare la natura traducendola nella propria sfera emotiva, di memoria e di speranza. Il fascino dell'esperienza simbolista s'affaccia, discreto, come citazione implicita di un concettuale risolto nell'evocare letture che virtualmente si embricano tornando al modo antico della rappresentazione. Eppure anche questo è un aspetto dell'opera di Turlinelli che si sviluppa in continuum nella riflessione che lo vede protagonista. La natura, la percezione della natura, non solo è rivendicazione della ragione, ma anche motore della fantasia e dell'immaginare capace di farsi sogno, rivelatore del rapporto della cultura con la storia. La mente guida la mano nella stesura cromatica, le norme, verificate con la macchina, estrema protesi dell'operatore, organizzano e definiscono spazi e campiture, la produzione si materializza in sequenze scandite da titoli o numeri. La sensibilità del fare, la sua reificazione trova nell'albero − e la sua idea − la soglia comunicativa tra gli universi possibili della poesia. L'albero − preferibilmente pino o cipresso − è una sorta di filo conduttore, tema di meditazione e rivelatore anche di solitudini colte con nostalgia di sapore autenticamente romantico. Gli eventi, come gli interventi umani, sono solitamente espunti. Si finisce per scoprire l'accesso a processi mentali che ridefiniscono lo statuto dell'immagine nella purezza nitida di una visione metafisica. Cosi' "l'ombra sul terrapieno" risolve i paradossi ed ingiunge il riconoscimento della pregnanza della civiltà artistica d'Europa. I ritmi delle immagini costruiscono ed organizzano una scrittura, calligrammi che diventano nella raffinata chiarezza di una luce che crea colore, atmosfera, oltre a spazi, inventando ore e stagioni una melodia silente. La sacralità della natura, cosi' periclitante, se non compromessa al punto d'accoglierla ormai nella visione utopica di una cultura pervicacemente ribelle, emerge solenne e sontuosa. La fruizione e l'empatia con l'opera di Turlinelli trasferiscono in mondi che non si credevano piu' raggiungibili, mentre si riverberano in echi e speranze, in denunce e sofferte commiserazioni. La tensione ed il rigore che la produzione richiede fa si' che sia rara, preziosa come la confessione del poeta, come il raggio riflesso dall'onda del mare dell'esistenza o come il canto all'alba del mondo. L'ingenuità primigenia, quella che costruisce i destini nuovi dell'umanità, l'ironia della semplicità forgiata dal rifiuto dell'opulenza che ottunde la tensione dell'intelligenza sono i veicoli offerti da Turlinelli per ritrovare l'entusiasmo della scoperta. La critica avvertita ed ufficiale, che impone con nuove trovate da almeno trenta anni la reinvenzione di pseudo rivoluzioni sempre piu' circoscritte ed elitarie sistematicamente assimilate e funzionalizzate a dare nuova linfa ad una cultura feticcio del potere, appare incapace di superare la cortina degli addetti ai lavori per riappropriarsi di un ruolo corrispondente alle necessità imcombenti. Gli esercizi di lettura di Massimo Carboni o gli interventi di Lea Vergine e di Ester Coen sembrano riaprire un dibattito che "passa" anche su alcuni quotidiani. Le piu' recenti sistematizzazioni sul XX secolo come quella di David Britt o di Silvia Ferrari hanno suscitato perplessità per un percorso che finisce negli U.S.A. Nel mare magnum del "sistema dell'arte" e in quello, ancor piu' periglioso ed esteso, del sottobosco della sottocultura le pulsioni modaiole del post-moderno, post-industriale, come graffitismi, transavanguardie stanno rivelando l'inconsistenza delle premesse. Il "grande gioco" di mercanti, collezionisti e critici ha l'inconsistenza, ormai, dell'inutilità, appendice di un mondo ove la produzione del capitale fittizio è diventata la principale attività del sistema. Cosi' la pertinenza dell'enigmatico al mistero, alla trasgressione utopica delle epifanie visive di Turlinelli approda alla possibilità di una comunicazione diretta ad una possibilità di riproduzione attraverso il mezzo elettronico che rende la Wunderkammer delle sue opere, "visitabile" e immediatamente acquisibile, senza mediazione. Altro che opere in video! Le tecnologie che permettono un nuovo approccio alle opere del passato sono utilizzate per il presente. Turlinelli costruisce l'enigma dell'esistere nella solitudine di una ragione nostalgica, tutta intensamente umana, intrisa di una colta poesia cantata con l'attenzione antica alla metrica. In tal modo l'opera si fa problema, segno del pensiero, capace di commemorare attraverso la stratificazione dei linguaggi e, al tempo stesso, soglia di straniamento e liberazione. Il nesso con la visibilità, la reificazione dell'intenzione non si risolve nel logocentrismo tipico di gran parte del "concettuale", ma si sviluppa per icone, sfuggendo all'anacronismo e concretizzando il proprio segno. I percorsi in cui si articola l'opera di Turlinelli non accettano alcun Baedeker dell'agire per inserirsi nei flussi desiderati o programmati, definiscono lo status non garantito di chi li ha affidati alla fruizione dimostrando, peraltro, come fare e sapere possano ancora coincidere. Un altro aspetto va recuperato, quello dello stile, della qualità che scaturisce dal segno di Turlinelli, sobrio ed astratto come è riuscito solo a qualche immagine di fotografi o cineasti. La figura è liberata dalla figurazione. La luce ed il colore sono ricostruite e riorganizzate nell'intensità e durata di una sintesi che si rivela meccanismo morfogenetico. Il ricollocarsi del ruolo della creatività nella società contemporanea dipende dalla capacità di non essere condizionata dallo sviluppo delle tecniche per riconquistare la centralità del rapporto tra l'uomo e la natura, tra l'uomo e lo spazio ed il tempo. Turlinelli continua a proporre questa utopia come mito contro la zona morta della virtualità, contro la dissoluzione "soft" nella rete per la riconquista del sole, dell'aria, dell'acqua, della terra oltre il totalmente digitale, sintetico, simulatorio, con sensorialità "windows" interfacciate e colloquianti, espanse, fluttuanti ed interconnesse. L'esperienza del post-moderno e dei profeti della fine della storia (vicende non paradossalmente parallele quanto esemplari, pur nel loro sostanziale fallimento) ha evidenziato come sempre piu' forte sia il rischio di veder espropriata l'umanità della sua storia, vale a dire di quella scienza nuova, che da tre secoli è stata strumento di liberazione. L'arte è stata arma poderosa di gioioso ma anche sofferto maneggio per intervenire nel senso di quei valori del bene, del vero e del bello che pur non essendo assolute, come speravano i maestri del Rinascimento, ma relative, quanto formidabili, sovrastrutture, costituiscono il fondamento di un comunicare finalizzato, per nuova stagione dell'Umanesimo. La scommessa di Turlinelli è anche questa: offrirsi, senza mercanti, all'impatto diretto di un pubblico che non puo' piu' permettersi di essere preoccupato o distratto solo dai fini di lucro.